jueves, 10 de noviembre de 2011

INVENCIÓN DEL ARTE, LARRY SHINER- 16 SEPTIEMBRE 2011

La idea de que el arte comenzo en la Antigua Grecia, o quizas en el Renacimiento, y de que su progreso puede rastrearse a lo largo de una prolongada serie de obras maestras, nos produce una enorme satisfaccion. Con mayor firmeza aun creemos en la idea de que el arte es trascendente y universal. Con La invencion del arte Larry Shiner pone en tela de juicio estos articulos de fe y nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto. Afirma que la categoria de las bellas artes es una invencion moderna, y que la linea que separa el arte y la artesania fue resultado de cruciales transformaciones sociales que tuvieron lugar en Europa durante el largo siglo XVIII. Para demostrar todo esto, Shiner estudia la obra de pensadores tan variados como Hogarth, Rousseau, Wollstonecraft, Emerson, Marx, Dewey o Benjamin. Y, en ultima instancia, muestra como el sistema moderno sostiene su hegemonia asimilando a los artistas y a los musicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distincion entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.

http://books.google.com/books/about/La_invención_del_arte.html?id=SaYNPQAACAAJ

COLECCIONISMO

"For the love of God" ( "Por el amor de Dios") 2007 Damien Hirst


El mundo del coleccionismo es como el túnel del tiempo:quien entra en él,nunca sale. El coleccionismo se adueña de uno. Las maravillas artísticas del pasado y del presente,con su historia y su belleza, toman posesión de un pacífico ciudadano de las postrimerías del siglo XX y lo convierten en coleccionista: Un ser raro que, durante toda su existencia, va almacenando piezas de las que disfruta en vida y lega a su muerte,haciendo perdurar su nombre,en el mejor de los casos,más allá de su propia generación.

Hay quien piensa que el coleccionismo es una cualidad innata en el hombre,pero lo cierto es que aquellos que pueden desarrollar dicha cualidad a lo largo de su vida,no son sino mimados de la fortuna.Y no sólo quien se dedican al alto coleccionismo,una élite en nuestro país compuesta por no más de una treintena de personas,que solo aspiran a la consecución de piezas millonarias.Existe otro coleccionismo, en esencia al igual que al anterior, que cualquiera puede realizar y que,en este caso es básicamente cultural: llaves,tijeras, cerraduras, dibujos, pintura,obra gráfica.

Cabría pensar si la vida del hombre sobre la Tierra no es sino coleccionar objetos,pensamientos, oficios, dolores y alegrías.Todo el mundo ,en su medida, es coleccionista de algo.La elección del tipo de coleccionismo vienen determinados por la afición y el desarrollo cultural de cada persona,pero en todo caso, siempre existen una reglas básicas a tener en cuenta.

El mercado del arte contemporáneo está inmerso en una burbuja que no ha parado de crecer en los últimos años. Muchos inversores han usado las obras de nuevos autores como una forma de especular y conseguir así mayores beneficios económicos o conseguir disminuir sus impuestos.


CENTRO DE MEDELLIN

MEDELLIN EN EL CORAZÓN

http://www.youtube.com/watch?v=9UqJCX7EM6o&feature=related

"UN LUGAR MÁGICO Y COTIDIANO QUE ENVUELVE CULTURA"

MUSEO EL CASTILLO EN MEDELLIN

Museo El Castillo, un pulmón verde para la ciudad

http://www.youtube.com/watch?v=BnMsGuz-1vQ


El Museo El Castillo es un museo de la ciudad colombiana de Medellín, ofrece exposiciones permanentes de objetos en porcelana y cristal, vitrales, gobelínos, antigüedades, pinturas, esculturas, entre otros.

La edificación fue construida hacia 1930 por el arquitecto Nel Rodríguez en estilo gótico medieval semejante a los castillos delLoira en Francia, posee jardines de estilo francés, bibliotecas, salas de exhibición y de conciertos. Lo habitó José Tobón Uribe, quien había traído los planos, hasta 1943 cuando Diego Echavarría Misas, un importante industrial de la ciudad, lo compró como residencia para su familia.

En 1971 pasó a constituirse en Museo cuando don Diego Echevarria Misas, decidió donarla con toda su decoración y accesorios.

http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_El_Castillo


ARTE, YVES KLEIN(ANTROPOMETRÍA) - 29 JULIO 2011


TECHNE
+ = OFICIO
ARS

"El Artista ya no solo tiene espacio dentro del museo, toma ciudades"

Yves Klein - Blue Women Art - 1962

http://www.youtube.com/watch?v=h50IzHh4T_g&feature=related

jueves, 3 de noviembre de 2011

MAM- 21 OCTUBRE 2011


SORTILEGIO Por: GERMAN ALONSO GARCIA

Una exposición llena de color, haciendo del arte una manifestación que puede ser demostrada en cualquier olor, sabor, sensación u objeto, y es en esto ultimo en lo que se enfoca principalmente, en plasmar su visión de arte en objetos que hacen parte y hablan de la cultura cotidiana.

Para este artista fue fácil elaborar, de pensamientos complejos, juegos de palabras en los que encontraba siempre una obra con la que quería expresar su conocimiento, su punto de vista sobre algunas circunstancias de la vida humana o tal vez enmarcaba alguna época. De esta manera absorbía lo que percibía del mundo exterior, alimentando el pensamiento y uniendo estos dos en creaciones en donde concretaba en algunos casos cosas absurdas; pero es definitivamente este toque lo que hace especial su obra.

Intenta también, con lo que expone, hacer una crítica al pensamiento de la iglesia católica y todo lo que ella ha logrado implantar a lo largo de la historia del ser humano, remitiéndose directamente al supuesto que defiende que “todo lo que genera placer es de origen pecaminoso y condena”, así, de manera burlona bajo su propio estilo, crea varias obras que de alguna manera pueden generar un poco de controversia.

Para entender su trabajo es fundamental, entender el nombre o titulo que le otorga a Cada una de sus obras ya que para este artista es un medio utilizado para complementarla y darle sentido a elementos que a primera vista, no se perciben.

Entre sus obras para destacar se encuentran “Sólo para Adultos Solos” en la que recrea una escena privada de una mujer en su cuarto, utilizando una caja forrada en papeles y una estatua en plastilina y “Petrus” en la que emplea una piedra y sobre la piedra graba el rostro de Pedro uno de los doce apóstoles, con esta obra se puede entender que, como esta escrito en la biblia Pedro fue el primer papa y el que “Puso la primera piedra para comenzar la construcción de la iglesia”.

http://www.elmamm.org/


FOTOGRAFÍA EN EL SIGLO XIX- 23 SEPTIEMBRE 2011


“La fotografía es aquella forma de arte que utiliza para sus fines la técnica de grabar imágenes sobre un material sensible a la luz, en base a ciertos fenómenos ópticos y químicos. El término fotografía proviene de la unión de dos palabras del griego, foto, que se traduce al español como luz, y grafía, que significa escritura.”

Para hablar de ella, es necesario remontarse varios siglos atrás en donde sus inicios fueron concebidos y descritos a través de grandes pensadores y personajes de la historia humana, entre ellos podemos resaltar a Arquímedes y a Leonardo Da Vinci, pero definitivamente fue el siglo XIX en el que se alcanzaron sus mas sólidos desarrollos; es importante destacar que las primeras fotografías fueron llamadas Heliografías, tomadas en 1827 por Nicéphore Niépce, físico Francés; en 1861 el físico británico James Clerk Maxwell mediante un procedimiento llamado aditivo de color logró obtener exitosamente la primera fotografía a color, poco después en 1869 con la invención del celuloide se llego a la fijación de la imagen perdurable, resistente, liviana y flexible pudiendo llegar ser comercializadas posteriormente, a finales de este siglo.

De esta manera, la fotografía hizo parte fundamental del arte y la novedad de la burguesía de la época, posibilitando su coleccionismo en álbumes de pequeño formato, transformándose así en una forma de distinción social.

Luego de varios años, el reemplazo de la placa metálica por los negativos de vidrio ayudaría a que las personas que disponían de un pequeño capital pudieran encontrar en la fotografía un medio de auto-representación que se ajustaba a sus condiciones económicas e ideológicas, creando así una base económica sobre la que se permitía desarrollar el arte del retrato accesible a las masas.

La originalidad e individualidad de la pintura fueron aspectos que se vieron enfrentados directamente con la invención de la fotografía, que por su parte se encargaba de reproducir exactamente la realidad mecánica y masivamente; y fue entendida por los artistas como “moda que no dejaba de ganar dinero y empobrecía a los artistas”. Esta abrió paso al descubrimiento de una nueva conciencia de la realidad y una apreciación desconocida de naturaleza cuya consecuencia en el arte fue una tendencia hacia la objetividad, el Realismo, que afirmaba que “solo se puede pintar lo que se ve” y aunque derivándose de los mismos principios de la fotografía, los realistas se negaban a aceptar la fotografía como arte, desatando así fuertes discusiones.

Finalizando el siglo emerge la simplificación de los procesos, aparatos fotográficos de mas fácil manipulación y el Phontomaton, una maquina automática que en pocos minutos realiza varias actividades tales como: Fotografiar, revelar y realizar varias probas sobre papel; también durante esta época se inventaron nuevos procedimientos como papeles al carbón, al oleo, al bromo.

“Cuanta mayor impresión daba la fotografía de ser un sustituto de la pintura, más dispuesto estaba el gran público, poco cultivado a encontrarla artística.“

MUSEOS- MUSEO DE LOS SUEÑOS SIGMUND FREUD


El Museo Sigmund Freud de los Sueños abrió sus puertas el 4 de noviembre de 1999 con motivo del centenario de publicación de su obra, La interpretación de los sueños. El museo esta dedicado a las ideas psicoanalíticas, a los sueños, fantasías, teorías y además, a la pasión de Freud, su colección de antiguedades. El museo de San Petersburgo se relaciona con los museos famosos de Freud en Viena (que conmemora el lugar de trabajo del gran científico) y con el de London, creado en el ultimo apartamento de Freud, donde se exponen una enorme colección de antiguedades que cuenta con mas de dos mil objetos, la biblioteca personal de Freud y su famosa sofá. A diferencia de los museos de London y Viena, el Museo de Sueños de San Petersburgo no esta ligado con algún lugar donde vivía Freud ni con objetos que le rodeaban, sino con sus ideas, teorías, sueños, con todo lo ideal, lo efímero, lo virtual, lo imperceptible. El Museo representa toda una instalación. Todas sus paredes visibles, invisibles, las superficies de exposición, el suelo y el techo están proyectados, calculados y construidos de tal manera que se aparten con facilidad para que los visitantes del museo puedan continuar la serie visual basándose en su propia experiencia, sus deseos y fantasías.

http://www.tour-to-stpetersburg.com/span/sights/zigmund-freud

FRIDA KALHO- 26 AGOSTO 2011


"Su obra estuvo influenciada por la de su marido, y al igual que él quería que en su pintura se trasmitiera su identidad mexicana. Para esto recurrió con frecuencia a técnicas y temas extraídos de la cultura y del arte popular de su país. En esta búsqueda de raíces estéticas, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista. De igual forma, fueron sus autorretratos los que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX. Entre ellos se destacan, por ejemplo: "Autorretrato con monos", "Las dos Fridas" (1939). Sin embargo, en sus comienzos se dedicó al realismo haciendo retratos de amigos y familiares, flores, etc."

http://www.publispain.com/revista/biografia-de-frida-kahlo.htm

FERNANDO BOTERO - 19 AGOSTO 2011


“Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento.”

Luis Fernando Botero, nacido en Medellín en 1948, comienza su vida artística en el periódico El Colombiano en el que se desempeñó como ilustrador. Realiza su primera exposición en Bogotá y luego de esto viaja a Europa en donde hace un recorrido por España, Francia e Italia, lo que le sirve para estudiar en la Academia de San Fernando de Madrid, copiar la obra de Diego Velásquez y Francisco de Goya y estudiar pintura al fresco. Visita también México y Estados Unidos en donde celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington, además fue nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Bogotá a sus 26 años; vive posteriormente en Nueva York y se radica finalmente en Paris, en la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.

Lo anterior fue de gran importancia para el pintor, debido a que influenció sus comienzos; notándose una fuerte atracción por los Murales Mexicanos y la pintura del renacimiento Italiano, esto se fue modificando, desapareciendo, hasta convertirse en su estilo personal, su sello, en el que se destaca la deformación de las figuras hasta cubrir la mayor parte del lienzo, prevaleciendo el volumen.

Entre sus temas de pintura sobresalen paisajes, retratos, escenas costumbristas y personajes históricos; se aprecia claramente en varias de sus Obras, como las dedicadas a Pedro uno de sus hijos que falleció a los cuatro años de vida en un accidente automovilístico. En “Pedrito”1974. Se observa un retrato, en el que secuenta también la difícil y dolorosa situación que atravesaba el artista luego de su perdida en la que sobresalen elementos tales como la mirada del caballo, humana y triste, la de pedro, completamente perdida y la casa de juguete en la que se ubica a el y a la madre de pedro vestidos de negro y con las puertas abiertas en demostración del proceso de sanación. También en “Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia”1990. En la que el pintor decide hacerle un homenaje a su madre después de fallecida, cumpliendo su mayor sueño; llevándole a Medellín, hasta su casa a los reyes. En “Rosita” 1973. El pintor recrea una escena en la que la prostituta mas apetecida de su ciudad natal Medellín, en su época, ignora a un campesino que le ofrece dinero por sus servicios. Entre sus obras también se pueden encontrar tributos a los grandes maestros de la pintura (“Mona Lisa a los doce años”1959.) y sobresale su inmenso gusto por la Tauromaquia, a quien dedico la década de los ochenta (“El Quite”1988.)

Sus primeras pinturas exponen una pincelada suelta y concreta; Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su carrera, asimismo este artista incursiono en la elaboración de esculturas trabajadas en bronce, mármol y resina fundida con un manejo idéntico al de sus pinturas en cuanto a los volúmenes y las proporciones.

Botero ha logrado imprimir un sello personal en cada uno de sus trabajos, representando la realidad bajo diferentes cánones o patrones de belleza como la exageración y estructurando un universo imaginario en el que tiene la posibilidad de plantear diferentes escenas en una misma obra.

El excelente manejo de la perspectiva, los colores, la luz y el volumen hacen que este artista pueda reproducir imágenes del mundo creando una ilusión bidimensional de los objetos, manteniendo siempre el equilibrio de las proporciones.

El Maestro Fernando Botero ha dejado una huella imborrable en la historia del arte no solo en Colombia sino también en el mundo entero.


http://www.museodeantioquia.net/